До яскравих проявів російського авангарду в самих його витоки можна віднести виставку картин молодих художників у Москві на Воздвиженці, у приміщенні Економічного товариства офіцерів. Вона відбулася 10 грудня 1910 року і носила найменування вельми викликає – “Бубновий валет”.
Це було приголомшливе культурна подія. Представляли збори картин молоді художники – Петро Кончаловський, Олександр Купрін, Михайло Ларіонов, Роберт Фальк, Наталія Гончарова, Ілля Машков, Аристарх Лентулов, Давид Бурлюк і інші. Всі вони роком пізніше склали творче об’єднання “Бубновий валет”.
Казимир Малевич, який не увійшов спочатку в ядро суспільства, але активно выставлявшийся разом з цими художниками, пізніше писав, що виставка “Бубновий валет” була влаштована чудово:
Живопис була подібна різнобарвному полум’я… найсильніша за своїм живописним духу молодь з’єдналася під прапором “Бубнового валета”, вбачаючи в ньому світ як живопис, як колір. Хто пам’ятає цю виставку, той не повинен забути враження. Багато хто з глядачів були вражені настільки, що живопис позбавляла їх опори.
Російський авангард – історія терміна
Вперше словами “авангард” і “авангардисти” поділився з публікою головний ідеолог об’єднання “Світ мистецтва”, художник і теоретик Олександр Бенуа. Було це ще за кілька місяців до першої гучної виставки бубновалетовцев. Тоді він говорив, що сучасне мистецтво слід розділити на центр, авангард та ар’єргард. Роботи свого об’єднання як новаторські і все ж менш претензійні він вважав відносяться до центру. Полотна ж Ларіонова з іншими валетами відносив до радикально налаштованій авангарду.
Новаторство, скатывавшееся до примітивізму (а Ларіонова через кілька років вже оголосять засновником російської неопримітивізму), і не цілком изжитый академізм центристів – такі, на думку Бенуа, були позиції мистецького об’єднання “Бубновий валет” і “Світу мистецтва” на сучасній йому культурній сцені.
Авангардно настроєні течії в мистецтві взагалі-то були характерні для будь-яких переломних епох. Ось і на початку XX століття авангард з’явився потужним поштовхом, який затвердив грандіозні зміни і в російській і в світовій культурній традиції.
Що стосується походження самого цього слова, то його етимологія сходить до французького avant-garde. Цей термін належить військовій лексиці, і означає він “передовий загін”.
Історія назви
Коли поет Максиміліан Волошин, який став одним з перших відвідувачів виставки, сказав, що вона “одним своїм ім’ям викликала одностайне обурення московських поціновувачів мистецтва”, він, звичайно, мав на увазі, що ім’я це для обивателів було лякаюче співзвучним з деякими елементами, властивими кримінального світу. Спільнота “Клуб червоних валетів”, своїми гучними злочинами заявила про себе в Росії в 70-е роки XIX століття, ще не було забуто, і, більш того, словосполучення вже пішло в народ, і валетами стали називати самих різних діячів, котрі зазіхнули на чуже майно.
А тут і чотирикутник з матерії жовтого кольору на спині арештантського одягу, ця каторжна нашивка, візитна картка свого в кримінальному середовищі. Ну і плюс найперше – атрибутика азартних ігор, що теж отсылало до криміналу. Поєднавши масть і чин, Лентулов з товаришами вирішили, що такий протест чим гірше, тим краще, так і на насправді, що може бути безглуздіше “Бубнового валета”?
А інший бубновалетовец Ілля Машков пізніше згадував:
Назва подобалося більшості учасників цієї виставки тим, що воно викликало в тодішньому московському ситому мещанстве, і купечестве, і дворянстві почуття подиву, здивування, бридливість.
Головна картина виставки
Центральне місце в залі було віддано великим (208 на 270 см) полотну з назвою “Автопортрет і портрет Петра Кончаловського”, що належить кисті Іллі Машкова. Такого роду картини самі валетовцы називали “пугачами” як особливо обращающими на себе увагу і шокуючими вимогливу публіку. Ось і дана робота своїми нарочито земними, ретельно виписаними формами героїв (що взагалі було характерно для багатьох картин об’єднання художників “Бубновий валет”) слугувала черговим викликом академічного підходу і символізму в художній творчості, одночасно пропонуючи нові тенденції. Це були “демонстративна тілесність” і “торжество плоті”. Саме такими особливостями, на думку членів об’єднання, повинно було мати нове мистецтво.
На картині зображені грають чудовими м’язами, практично оголені (у костюмах борців) двоє чоловіків. Машков тримає в руках скрипку, а Кончаловський – лист з нотами. Навколишній сидять інтер’єр досить незвичайний. Праворуч ми бачимо піаніно. Над ним полиця, на якій можна розрізнити корінці видань: Біблія і книги про творчість Сезанна і Хокусая. На столі ліворуч – стіл і стоять на ньому чашки з залишками то чаю, кави і пляшка з якимсь напоєм. Під ногами у колег по цеху – величезні гирі.
Поціновувачі художнього творчості ще не бачили такого дивного і шокуючого поєднання – двоє поетів-культуристів, навколо яких книги про мистецтво, гирі, рояль і вино. Настільки явна грубувата предметність і простота порушували різні уявлення про те, як повинен виглядати живописець.
Ілля Машков воістину став героєм тієї виставки. Правда, не позитивним. Натурниць на його полотнах називали вульгарними, размалеванными і побитими, а його самого – дикуном, який дорвався до хліба і фруктів. Потім він захотів зобразити їх на картинах, але від цього не перестав бути дикуном!
Тенденції та витоки
“Союз речового і духовного, низького і піднесеного неразделим. Це і є нове мистецтво”, – немов повідомляє “Автопортрет і портрет Петра Кончаловського”, як і багато інші роботи представників об’єднання “Бубновий валет”. Погляньте, наприклад, на картини Наталії Гончарової “Біління льону” або “Дикі танці”, “Портрет Н. Сведонской” Аристарха Лентулова, “Портрет песнебойца футуриста Василя Каменського» Давида Бурлюка та ін.
У всіх них – ігнорування мальовничих академічних традицій XIX століття. Молоді художники пішли по шляху постімпресіоністів Матісса, Гогена і Сезанна, включаючи в свої роботи елементи кубістів і фовістів.
Крім того, використання примітивних малюнків з “грубої природністю” і плоскою перспективою – ці риси були характерні і для дитячих малюнків, і для росіян лубочних картинок.
Тим більше що лубок – це ще й свого роду картинка-іграшка, настрій на властиві російській балагану дурощі, містифікацію, обман і провокацію до скандалу. Адже та сама назва “Бубновий валет”, замишлялося як його творцями, публіці повинно було вказувати на шахрая, особи, яким точно не варто довіряти.
Колір
Слідом за французьким художником Анрі Матіссом, пренебрегавшим у своїх роботах світлотінню і перспективою, члени об’єднання вважали, що “тільки рішуче повернення до красивим синім, красивим червоним, красивим жовтим – первинним елементам, які тривожать наші почуття до самих глибин” і дозволить повною мірою вирішувати нові художні завдання.
Принісши в дар російської живопису буйні кольори, нову фактуру, соковитий мазок і інший образотворчий метод, звільнений від багаторічних нашарувань туманною салонності та академічного традиціоналізму, молоді художники товариства “Бубновий валет” навряд чи самі точно знали, що вийде з цього підприємства. Як зізнавався пізніше Пікассо, кажучи про своїх початкових експериментах у творчості:
У наші наміри не входило винаходити кубізм. Ми лише хотіли висловити те, що було в нас самих.
Натюрморти
Слідом за авангардистами представники “Бубнового валета” заперечували елітарність мистецтва, доводячи, що їхні картини – для всіх, навіть для самих недосвідчених у художній творчості. Стійкий зоровий образ з ясним колірним рішенням плюс затверджена предметність зображуваного – звідси така кількість натюрмортів, портретів навколишнього кожного з нас речового світу.
Взагалі саме полотна із зображеннями “мертвої природи” валетовцы писали багато і охоче. І хоча на знаменитій виставці 1910 року за кількістю картин цей жанр не превалював, художників “Бубновий валет” прийнято вважати в основному творцями натюрмортів.
Так з’явилися “Сині сливи” Машкова. Це ще не фрукти, якими ми звикли їх бачити в житті, так і вся картина – це не зовсім полотно в повному розумінні цього слова. Швидше, це якийсь продукт від ремісника, предмет народної творчості. Це цілісність, свято і працю як поєднання декількох сторін народного життя, новий підхід до освоєння натури.
Хліби і підноси
Натюрморти валетовцев часто дуже нагадують вивіски на крамницях – паляниці, калачі, фрукти, овочі і ін Такі повсякденні картинки оточували обивателів в реальному світі. До речі, зображення булок і кренделів особливо часто зустрічаються у більшості бубновалетовцев. В якості прикладу можна навести картини Кончаловського “Хліби на зеленому”, “Хліби на тлі таці” і “Харчі московська” Іллі Машкова, “Хліб” Михайла Ларіонова.
Крім того, варто відзначити, що в цих та інших роботах характерними візитками для членів об’єднання стали зображення столових підносів і страв. Звичайно, молоді художники не змогли обійтися без строкатості і колірної химерності, властивих цим предметам.
В якості прикладів можна навести роботи Олександра Купріна “Натюрморт з синім підносом”, Василя Різдвяного “Трактирная посуд”, Петра Кончаловського “Піднос і овочі”, “Натюрморт з підносом і суницею” Аристарха Лентулова. Розписне блюдо зображено в “Натюрморті з лимоном і яйцем” Михайла Ларіонова.
Оголена натура
Мистецтвознавці вважають, що в якості самостійного жанр ню знайшов своїх шанувальників в Росії саме завдяки картинам “Бубнового валета”.
Як завжди, головними у них були сюжети (поза, сон, купання, танець), а представляли інтерес, на думку художників, колірні і фактурні пошуки. Звідси численні, лише на перший погляд здаються несподіваними, розводи на тілах зображених моделей. Такі, наприклад, знамениті “Сільські купальниці” Михайла Ларіонова (“з синцями і синцями”, як здалося одному з критиків-сучасників) і його ж полотно, назване “Купальниці при призахідному сонці. Одеса”.
У цьому ж ряду стоїть згадати і добре відоме любителям авангарду роботу Петра Кончаловського “Шахерезада”.
Портрети
Але особливий і незмінний інтерес у публіки викликали портрети, належали пензлю валетовцев. Максиміліан Волошин у своєму нарисі “Сучасні портретисти” говорив:
“Валети” намагаються узагальнити і спростити в основних площинах і обрисах людське обличчя абсолютно таким же чином, як вони спрощують яблуко, гарбуз, лійку, ананас, хліб. Вони доводять до найбільш інтенсивного горіння основний колір площині: голений підборіддя сяє чистою прусської блакиттю, обвітрені щоки горять чистим краплаком, руки вони пишуть паленої сієною з ліловим лаком. Це надає їх портретів з першого погляду вигляд жахливий і страхітливий.
І далі він додавав, що лише спочатку ці зображення розглядаються як карикатури, але трактовані серйозно і послідовно стають художньо цікавими.
Критикам здавалося, що епітети “жахливий” і “жахливий” особливо підходять для робіт цього жанру Іллі Машкова – тут не можна не згадати “борців” на першому показі. Кілька більш тонкими і психологичными були портрети пензля Роберта Фалька – погляньте, наприклад, на його полотно, названий просто “Портрет жінки”.
Але і його властива всім учасникам об’єднання експериментальна гра з кольором дивувала (в даному випадку неможливо не звернути уваги на червоні і сині плями на щоках жінки).
Протягом наступних десятиліть роботи Фалька, до речі сказати, ставали все складніше і емоційно тонше, поступово він пережив в собі характерні для ранніх робіт “кубістичні зрушення” і демонстративну вывесочность ранніх речей.
Що ж стосується інтересу до кольору у художників об’єднання в цілому, то про неї можна судити навіть і за назвою портретів (втім, і інших полотен). Ось роботи Фалька: “Дама в червоному”, “Автопортрет в жовтому”, “Автопортрет у сірому капелюсі”, “Жінка в білій пов’язці”. А також “Автопортрет у сірому” Петра Кончаловського, його ж “Паша на тлі квітів”, “Паша з червоною книгою”, “Портрет О. В. Кончаловській в синьому”; “Автопортрет з жовтими ліліями” Наталії Гончарової; “Портрет Е. Т. Баркової (Дружина в рожевому)” Олександра Осмеркина та ін.
Пейзажі
Тут найбільш цікавим, на думку мистецтвознавців, виявився Аристарх Лентулов. Його пейзажні полотна були справжнім експериментом в художній творчості, вони відрізнялися фантастичної динамікою, яку, здавалося, не змогла зупинити навіть кисть. Створюється враження, що будівлі в лентуловских роботах знаходяться в постійному русі – так виникає інша реальність. Найбільш відомими у художника є в цьому плані види старої Москви.
Погляньте, наприклад, на одну з робіт Лентулова. Вона написана в 1915 році і названа “Небосхил (Декоративна Москва)”.
Такі та інші його твори – “Дзвін. Дзвіниця Івана Великого”, “Москва”, “Тверський бульвар (Страсний монастир)”. Втім, є у цього художника і пейзажі, написані в іншій манері. Вони більш спокійні і як би відсторонено – “Нижній Новгород”, “Церква в Алупці”, “Ай-Петрі. Крим”, “Захід сонця на Волзі” і ін
Припинення діяльності
Позначити кінець історії “Бубнового валета” можна 1917 роком. Але дуже умовно. Саме тоді відбулася остання виставка об’єднання. У ній, втім, не взяв участі один з перших її засновників – ще в 1916 році Кончаловський і Машков усунулися від роботи об’єднання, а його нову спрямованість стали визначати радикально налаштовані художники на чолі з Казимиром Малевичем.
А ось в 1923 році старі бубновалетовцы вирішать “згадати молодість” і зберуть виставку “а-ля 1910-ті роки”. Новий вернісаж назвуть скромно “Виставка картин”.
Значення
Навряд чи сьогодні хтось наважиться сказати, що картини художників “Бубновий валет” – це мазня недоучок і вискочок. Вже очевидно, що Машков, Кончаловський, Ларіонов і іже з ними своїми роботами “відкрили вікно” у світ європейського мистецтва, а прокинувшись самі, розбудили і публіку. Адже головне для людини – не залишатися байдужим.
